Encontro dos Giros - Filho de Ogum - 1973

Encontro dos giros - Filho de Ogum - Manoel Bento - LP - Continental - 1973



01.Filho de Ogum; 02.Ogum de Ronda é me amigo; 03.A luz divina; 04.Ele vencerá; 05.Só cuide de Omulú; 06.Jardim do velho; 07.Eu venho de longe; 08.Cheguei da minha aldeia; 09.Por ordem de Sultão; 10.Bacia de Oxum; 11.Brincando com sereia; 12.Eu já fui pedir; 13.A minha homenagem; 14.Também é babalorixá;


Alabês e coro: Vadinho do Gantois; Vadinho da engomadeira; Sedir alves dos santos; Claudete Macedo; Olidelma; Gigi do pandeiro;


Manoel Bento era um querido ogã da Bahia e resolveu gravar este disco para louvar os orixás, guias e protetores, sob o patrocínio da famosa casa 7 linhas (que um dia acreditou na música de terreiro). Assim, compôs vários hinos de louvação que trazem bem explícitas a fé de Manoel no mundo astral. Acompanhado do lendário Vadinho do Gantois, um dos maiores alabês da história da religiosidade brasileira, este disco é muito bom de se ouvir. Manoel canta bem, com um coro simples mas eficiente. Um trabalho muito bonito e quase desconhecido dos umbandistas.

Para ouvir a faixa 06, "Jardim do Velho", clique abaixo:

Bresil - Bahia - 1977

Grupo Odundê - Bresil - Bahia - LP - Discovale - 1977

01.Mártir; 02.Ê Ganga; 03.Mãe Maria; 04.Zênite; 05.Obá Alá; 06.Águas; 07.Batah; 08.Samba de Roda; 09.Saca de Farinha/Aguerê; 10.Raios; 11.Jambelê; 12.Afochegue; 13.Alegria, alegria de Odundê;

Direção Musical: Mônica Millet

Músicos:

Alabês: Tião, Lazinho, Mônica Millet

Vocais: Ana Cristina Canário (Voz solo); Coro: Tânia Bispo, Rosângela Silvestre, Isaura Oliveira, Jussara Silveira, Nadja Miranda;

Este disco raríssimo, produzido pelo Departamento de Dança da Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, foi lançado na França, pela gravadora Discovale. O grupo Odundê, a exemplo de muitos outros grupos de dança contemporânea brasileiros, se utiliza fartamente da música de terreiro para construir suas coreografias e passar a mensagem do Brasil-universo pelo mundo afora. Com essa proposta, este disco conta com músicas inspiradíssimas, muito bem executadas - sob a batuta de Mônica Millet, grande "Alabê" (por mais que os tradicionalistas possam rugir, a mulher toca prá caramba!) -, pois um bom grupo de dança pede uma trilha sonora à altura, pois desde sempre, som e movimento nunca se separaram, principalmente sob a luz de um ritual, mesmo que este rito esteja disfarçado como uma apresentação teatral.

Para ouvir a faixa 09, "Saca de farinha/aguerê", clique abaixo:

Aparecida - Foram 17 anos - 1977

Aparecida - Foram 17 anos - LP - CID - 1977

01.17 anos; 02.Tributo às almas; 03.Os deuses afros; 04.Melodia não deixa Parada de Lucas; 05.Grongoiô Popoiô; 07.Diongo, Mundiongo; 08.Aruê; 09.Todo mundo é preto; 10.Saravá, saravá, Bahia; 11.Lágrimas da Oxum;

Músicos:

Papão -Bateria; Alexandre - Contrabaixo; Horondino - Violão; Jorgem Menezes: Violão; Hélcio Millito: percussão; Orlandivo: Percussão e Coro; Conjunto Nosso Samba: Percussão e coro; As gatas: coro; José Mexezes: violão; Celso; Flautas em Sol e Dó; Braz Limonge: Oboé; Gabriel: contrabaixo acústico; Os Tincoãs: coro;

Só pelo time acima já dá prá saber o nível deste disco, uma raridade em termos de exemplares e de proposta. Aparecida em seu segundo disco veio com tudo e deu no que deu: fez muito sucesso com "17 anos", "Todo mundo é preto", "Santo Antônio de Pemba" e "Grongoiô Popoiô". Mas isso não é tudo: como se não bastasse o naipe dos músicos que a acompanham, a presença de uma outra figura maravilhosa de nossa música encabeça o LP e o eleva a um patamar de qualidade que beira a excelência. Como prova de que naqueles tempos não haviam fronteiras entre a música secular e a música sacra, o grande SIVUCA participa das gravações com o respeito, responsabilidade e qualidade que não se vê hoje em dia quando se fala de música de terreiro. Que voltem essas eras!!!

Para ouvir a faixa 02, "Tributo às almas", clique abaixo:

Amacy - Cantos de Umbanda -2005

Dudu Tucci - Amacy - Cantos de Umbanda - CD - Welhunder Records - 2005

1. Abertura; 2. Canto à Exu; 3. Defumação; 4. Defumação II; 5. Saudação à Pemba; 6. Saudação à Ogum; 7. Saudação à Ogum Beira-Mar; 8. Saudação à Xangô; 9. Saudação a Oxossi; 10. Saudação a Obaluaiê; 11. Saudação às Criancas; 12. Saudação a Yemanjà;13. Saudação a Oxum; 14. Saudação a Yansã; 15. Hino de Umbanda; 16. Saudação ao Caboclo Flecha Vermelha; 17. Saudação ao Caboclo Ubiratã; 18. Saudação às Almas; 19. Saudação aos Pretos Velhos; 20. Saudação aos Pretos Velhos II; 21. Saudação aos Pretos Velhos III; 22. Saudação à Cabocla Yamar; 23. Canto à Yemanja; 24. Saudação ao Povo da Bahia; 25. Saudação ao Povo da Bahia II; 26. Encerramento;


Dudu Tucci nasceu em São Paulo e vem de uma família de músicos. Já tocava atabaque em sua juventude em ritos de Umbanda. Estudou percussão clássica e flauta, antes de viajar em 1976 por vários países latino americanos onde descobriu muito da espiritualidade que o acompanha. Tocava com Arrigo Barnabé quando participou do Festival de Jazz de Berlim. Desde 1982 vive na Alemanha onde trabalhou e trabalha com vários artistas, entre eles com o dançarino Ismael Ivo com o percussionista Reinhard Flatischler em sua turnê Megadrums e o grupo de percussão coreana "Samul Nori" que o levaram em 1988 para uma turnê no Japão e Coréia. Apresentações em vários festivais internacionais como as noites afrobrasileiras em Berlim e Tübingen, a EXPO 93 em Taejon, o Percpan em 1993 em Salvador e no dia da percussão internacional em Koblenz em 1995. Juntamente com o musicólogo Thiago de Oliveira, publicou o livro Samba e sambistas no Brasil. Professor muito procurado de percussão, somente na Alemanha existem mais de 130 grupos de samba, cujo repertório foi fortemente influenciado pelos seus Workshops. Alem da participação em discos de vários artistas já lançou seis Cds solos. Neste trabalho, "Amacy", Dudu consegue, mesmo longe de suas raízes, morando na Alemanha, trazer a atmosfera dos cânticos de terreiro com uma propriedade poucas vezes vista. O disco é muito bem gravado e Dudu manda muito bem nos couros!! Mesmo dando atenção primordial à seu trabalho como percussionista profissional e estando afastado da vida religiosa no que se refere aos tambores, Dudu Tucci não deixa de ser um dos maiores alabês do Brasil em todos os tempos.

Para ouvir a faixa 22, "Saudação à Cabocla Yamar", clique abaixo:

Eu, Bahia - 1975

Edinho Marundelê e Onias Comenda - Eu, Bahia - LP - Phonogram/Philips - 1975

1.Sequecê (Oração aos orixás, Ritual Angola)/Ouiumba ouiumba é de mê (Pergunta, ritual angola); 2.Ereum Malê/Yêyê ô/Yada Baô; (saudação a Oxum); 3.Mina Oraê (saída de Caboclo)/Têtêtê da cabocla kissanga (ritual de caboclo); 4.Oridê deô (Saudação a Oxum); 5.Cambinda quearaquara (pedido de licença para entrar no Terreiro de Angola, ritual angola); 6.Dilanumatambangola (despedida de Nanã, ritual angola); 7.Toques tradicionais (Angola, São Bento Grande, Santa Maria e Idalina); 8.Cânticos de capoeira; 9.Trio de berimbaus (Gunga, Viola e Viola centro) 10. Desafio de viola com o berimbau; 11.Berimbau (improvisação); 12.Ê tava lá em casa;

Já comentamos várias vezes sobre as "pontes" que existem entre a música de terreiro e a música popular, pontes estas que estabelecem o vínculo emocional entre a atmosfera ritual e a necessidade de expressão popular que se manifesta na alegria e na celebração. A Capoeira é uma dessas pontes, pois ela traz a magia dos timbres, dos temas e de todo o mistério dos rituais dos cultos brasileiros. Este disco é um ótimo exemplo desta unidade que sempre existiu entre a arte marcial brasileira e os cânticos sagrados, que recentemente tem sido abalada por uma infecção evangélica que pretende descaracterizar a essência da capoeira, dissociando sua identidade com a umbanda através da negação de suas raízes essenciais.

O disco demonstra muito claramente que essa é uma união indissolúvel: de um lado, Edinho Marundelê canta maravilhosamente vários pontos da raiz Angola e de Umbanda, para caboclos.
Do outro, Onias Comenda mostra vários toques de capoeira e até mesmo a Viola é inserida (raramente ela é reconhecida como instrumento ligado às coisas do santo, apesar de sua igual importância) numa das faixas, em desafio com o Berimbau.

Um disco raríssimo, muito disputado, é uma obra singela e basilar para quem quer conhecer a verdadeira unidade de nossa religião brasileira.

Para ouvir a faixa 2, "Ereum Malê/Yêyê ô/Yada Baô (saudação a Oxum); ", clique abaixo:

Os Tincoãs - 1973

Os Tincoãs - LP - Jangada - 1973

01.Deixa a gira girá; 02.Yansã, Mãe Virgem; 03.Sabiá Roxa; 04.Ogundê; 05.Na Beira do Mar; 06.Raposa e Guará; 07.Saudação aos Orixás; 08.Canto para Iemanjá; 09.Capela D'Ajuda; 10.Obaluaê; 11.A Força da Jurema; 12.Embola, embola;

Geograficamente um dos maiores redutos de negros na Bahia concentrou-se na região do recôncavo, tendo a cidade de Cachoeira, às margens do Rio Paraguaçu, como maior referência. Quem a conhece pode observar tradições centenárias como a procissão da Boa Morte, misturada a rituais católicos, bem como apreciar uma boa apresentação de samba de roda com os artistas locais. A riqueza cultural dessa região trouxe muitos frutos para a cultura brasileira, como os irmãos Caetano Veloso e Maria Bethânia, Raimundo Sodré, Roberto Mendes - todos de Santo Amaro da Purificação - e o trio vocal Os Tincoãs de Cachoeira, que conquistou o Brasil com a beleza e harmonia de suas vozes, bem como a excelência de seu repertório.

Formado inicialmente por Erivaldo, Heraldo e Dadinho, todos de Cachoeira, os Tincoãs - cujo nome é originário de uma ave que habita o cerrado brasileiro - iniciou sua carreira em 1960 no programa da TV Itapoã "Escada para o Sucesso", interpretando canções, em sua maioria boleros, inspirados no sucesso do Trio Irakitan. Chegaram inclusive a gravar um disco intitulado "Meu último bolero", sem alcançar o êxito esperado. Em 1963 Erivaldo desligou-se do grupo e a este foi incorporado outro componente, Mateus, que com os demais formaria a base principal do conjunto. Renovaram o repertório e partiram para adaptar os cantos de candomblé e umbanda, sambas de roda e cantos sacros católicos. Mas foram os terreiros de Umbanda e Candomblé que deram a base principal da musicalidade dos Tincoãs.

Em 1973 gravam o segundo disco produzido por Adelzon Alves - o mesmo produtor de Clara Nunes nos primeiros discos -, e o primeiro como representantes legítimos da música afro-baiana, este LP é um marco importante da música brasileira, não apenas pela qualidade das músicas, como também pelo arranjo com características de coral feitos a partir de canções oriundas dos terreiros, tendo como base apenas quatro instrumentos: violão, atabaque, agogô e cabaça. Este disco também revela o talento dos componentes como compositores, principalmente Mateus e Dadinho, que assinam a maioria das músicas.

Um dos destaques do disco é "Deixa a gira girá", um ponto de Umbanda, adaptada pelo trio com muito talento (que na verdade foi "apropriado" por J.B. de Carvalho algumas décadas antes), e uma das mais executadas quando se apresentavam em público. Merece referencia também "Iansã Mãe Virgem", "Sabiá roxa", "Na beira do mar", "Saudação aos orixás" e "Capela da Ajuda", que fazem um belo painel da cultura negra do recôncavo baiano. Principalmente a última, que faz referência explícita a uma das poucas construções religiosas da Bahia de estilo católico, mas que cultua e abriga em seu interior rituais da tradição africana.

Com produção musical do maestro Lindolfo Gaya, o LP tornou-se recordista de vendas na ocasião de seu lançamento. Não pelo ineditismo de seu repertório, já que muitos outros discos com temática afro já haviam sido lançados no mercado. O seu diferencial esta na beleza plástica das canções e da perfeita harmonia vocal do grupo, o único no país que conseguiu fielmente traduzir o sentimento e a musicalidade de nossas tradições negras, numa demonstração de afirmação da identidade de uma cultura que nos engrandece e nos faz ver o quanto devemos aprender com ela. Mesmo porque já faz parte de nossa formação, e a ela devemos o privilégio de conviver com esta mestiçagem que tanto nos orgulha e é a responsável pela formação da identidade cultural brasileira. Ouvir o disco dos Tincoãs é reafirmar a certeza de que não seríamos um país tão rico se não fosse a nossa ancestralidade africana, pois ela traduz o mais autentico sentimento de brasilidade que carregamos.

Mas esse texto sobre o primeiro disco dos Tincoãs não poderia terminar sem falarmos também sobre a trajetória ocorrida logo após o seu lançamento... Em 1975 a primeira grande baixa no grupo ocorre com a morte de Heraldo, depois de gravar um compacto e uma faixa, "Banzo", no LP da trilha sonora da novela Escrava Isaura. A lacuna foi preenchida com a entrada de Morais, permanecendo por pouco tempo, mas participando do terceiro LP do grupo, "O Africanito", lançado em 1975. Logo depois, substituindo Morais, foi incorporado ao trio o vocalista Badu, mantendo dessa forma a tradição e a qualidade musical do grupo. No ano de 1977 gravaram um outro disco destacando-se a música "Cordeiro de Nana", de Mateus e Dadinho.

Em 1983 Os Tincoãs foram para Angola para temporada de uma semana em Luanda, e lá se estabeleceram, participando de projetos da Secretaria de Estado da Cultura de Angola, que entre suas prioridades visava identificar valores angolanos na cultura e na música brasileira, além de estabelecer ligações entre o culto angolano e a religião praticada no Brasil. Nessa ocasião gravaram o disco Afro-Canto Coral Barroco, com a participação do coral dos Correios e Telégrafos do Rio de Janeiro, sob a regência do maestro Leonardo Bruno e produção de Adelzon Alves. Este disco permaneceu inédito, só sendo lançado em 2003, portanto vinte após a sua gravação.

Este casamento de culturas ancestrais dentro de um trabalho musical, conferiu ao Tincoãs (por autoridades antropológicas, históricas, jornalísticas e musicais como Maestro Leonardo Bruno,- Maestro João Donato, Maestro Alemão Koellreutter - na ocasião Diretor do ICBA - Rio de Janeiro, Antropólogo e Etnólogo Babalaô Nigeriano Francis Ifá Kaiodê Akinwelere, e pelo seu já conhecdio produtor, Adelzon Alves, radialista e produtor discográfico, a condição de co-reanimadores da ancestralidade musical afro-barroca, brasileira.

Em 1984 Badu desligou-se do grupo, porém Mateus e Dadinho permaneceram juntos e em 1985 gravaram um disco no Brasil pela gravadora CID, que foi lançado em Angola. No país que abraçaram trabalharam em Luanda, Huambo, Lubango, Benguela, Namibe e Bengo e puderam ver de perto as batalhas que redundaram na guerra pela independência.

Com a morte de Dadinho em 2000 o grupo se desfez (Mateus Aleluia retornou de Luanda e vive entre Cachoeira e Salvador. Ele reapareceu na TVE-Ba, no especial ‘Gaiaku Luiza’ , que versa sobre uma legendária mãe de santo do candomblé de Cachoeira.), mas deixou um legado dos mais primorosos para a música popular brasileira, e para a música de terreiro: discos e músicas inesquecíveis.

Para ouvir a faixa 01, "Deixa a gira girá", clique abaixo:

Sussu - O Rei do Congo - 1972

Sussú - O Rei do Congo - LP - Tropicana - 1972

1.Rei do Congo; 2.Ogum na Ronda; 3.Kirombô; 4.Nanã Buroquê; 5.Mironguê; 6.Rompe-Ferro; 7.São João Batista; 8.Mãe iemanjá; 9.Cacique Ubirajara; 10.Festinha; 11.Filho de Jurema; 12.O Home é...;

Mais um disco raríssimo de Sussu, talvez um dos últimos de sua carreira vitoriosa dentro da divulgação do imaginário umbandista. Dá para perceber pela respiração de Sussu, que ele já se encontrava de alguma forma debilitado e o modo como o disco foi gravado, com os canais separados totalmente, nos faz acreditar que ele tenha gravado por partes a sua voz, que ainda hoje, mesmo depois de tantos anos, possui um timbre que emociona. A banda já não é tão inspirada como nos seus outros discos, talvez pela direção musical, que por esta época já procurava andar por caminhos mais modernos em termos de arranjo, o que colocou os músicos numa espécie de "andar em círculos", pois aparentemente, todas as faixas começam e terminam da mesma forma. Mesmo assim, é um marco na história da Música Brasileira e da Música Umbandista. Saravá Sussú!!

Para ouvir a faixa 12, "O home é", clique abaixo:

Mestrando Morcego - 2005

Abadá Capoeira - Mestrando Morcego - CD - Independente - 2005


Mestrando Morcego, natural do Rio de Janeiro, iniciou capoeira com o Mestre Camisa no ano de 1981 no Clube de Natação e Regatas Santa Luzia, no Aterro do Flamengo - RJ e formou-se Mestrando em 1995. Iniciou seu trabalho ministrando aulas na academia Souza Anjos, em Cordovil - RJ, ampliando posteriormente este trabalho nas Academias Las Vegas, Jardim América - RJ e Jorge Gonzales, Ilha do Governador - RJ. Mudou-se para Brasília em 1998 onde ministrou aulas até o ano de 2004, atualmente reside no Rio de Janeiro, contudo supervisiona trabalhos realizados por seus alunos nos seguintes locais do DF e entorno: Asa Norte, Asa Sul, Guará, Lago Sul, Taguatinga, Braslândia , Samambaia, Águas Claras, Val Paraíso e Cidade Ocidental. Durante três anos foi o responsável pelo aprimoramento técnico dos integrantes da Abadá-capoeira da Região Sul e atualmente é o responsável por este acompanhamento na Região Nordeste, além de ter seu trabalho estendido por seus alunos aos seguintes estados: RJ, DF, RN, CE, PR, PB e GO. E também na França, Córsega e Luxemburgo.

O cd é muito bom, Mestre Morcêgo é afinado e tem aquele timbre de voz que faz com a capoeira seja uma das mais fortes ligações dos movimentos populares com os cultos brasileiros. É um disco bem gravado, com a ambiência típica de uma roda, sem certas modernidades que as vezes, por excesso dos produtores, tornam os discos atuais um tanto quanto artificiais...

Para ouvir a faixa 06, "Vôo da Iúna", clique abaixo:

Candomblé - 1977

Candomblé - LP - Phonogram/Fontana - 1977

1.Exu; 2.Ogum; 3.Oxossi; 4.Ossanha; 5.Obaluaê; 6.Oxumarê; 7.Xangô; 8.Iansã; 9.Oxum; 10.Nanã; 11.Yemanjá; 12.Euá; 13.Obá; 14.Oxalá; 15.Avania;

Atabaques: Vadinho, Dudu, Alcides;

Coro: Alice, Eliana, Vadinho, Dudu, Alcides;

O lendário percussionista Djalma Corrêa não foi importante apenas para a cultura brasileira através de seus instrumentos. Também foi um grande estudioso e batalhador do resgate e do registro de várias manifestações dos cultos brasileiros e neste disco contribui com o registro do grande alabê Vadinho do Gantois, acompanhado por outros excelentes músicos de outras casas da Bahia. Um disco excelente, muito bem gravado e gostoso de se escutar.

Para ouvir a faixa 02, "Oxossi", clique abaixo:

Aparecida - 13 de Maio - 1979

Aparecida - 13 de Maio - LP - RCA - 1979

1.13 de Maio; 2.Vovó Maria Conga; 3.Aleluia Dom Miguel; 4.Indeua Matamba; 5.É mania sua; 6.Mussy Gatana; 7.Orixá de Obá; 8.Vem na Areia; 9.Tia Catarina; 10.Ela Mandou rezar; 11.Dança dos negros; 12.Ceará; 13.Dia de Ogum na Casa Branca;



Arranjos e regência: Zé Menezes; Bateria: Papão; Baixo: Luizão;Viola/Violão Tenor/Cavaco: Zé Menezes; Cavaco: Carlinhos; Violão 7 cordas: Raphael; Acordeom: Chiquinho; Percussão: GeraldoBongô/Stênio/Orlandivo/Nô/Gordinho/Gilberto/Cabelinho;Coro:Dinorah/Eurídice/

Zenilda/Míriam/Orlandivo/Zélia/Estênio/Barbosa/Gordinho/Nô; Cordas:Aizik M.Geller; Flauta:Celso; Oboé: Braz;


Uma das mais injustiçadas cantoras brasileiras... dona de uma voz mítica, alegre e deslumbrante, Aparecida surgiu nos festivais dos jongos de Minas e logo se radicou no Rio de Janeiro. É uma das mais importantes intérpretes da Música Umbandista, pois emplacou pelo menos duas canções nas rádios brasileiras nos saudosos anos 70. Sempre muito bem acompanhada de músicos excelentes (neste disco há participação de um dos pais do Samba-Rock, o lendário Orlandivo!), seus discos são um primor de qualidade técnica, muito bem executados, gravados e masterizados e sempre deixará saudades em quem conheceu a religiosidade brasileira através dos terreiros, onde sempre havia, lá no cantinho, sempre um disco de Aparecida, como símbolo vivo do orgulho de uma maravilhosa intérprete das canções de uma espiritualidade que jamais deixará de existir... Destacamos a Faixa 06, "Mussy Gatana" (de autoria da própria Aparecida, e que tem um arranjo belíssimo), que conta a uma história que ouvimos sobre determinadas entidades bem antes de conhecermos este disco e bem antes de 1979... coisas da banda...

Aparecida sumiu (!!!) e, sinceramente, não sabemos de seu paradeiro... quem tiver alguma informação, nos comunique aqui no AYOM!!

Para ouvir a faixa 06, "Mussy Gatana", clique abaixo:

Cânticos de Candomblé - Babalorixá Lázaro Ourualê - 1979

Cânticos de Candomblé - Babalorixá Lázaro Ourualê - LP - Tapecar- 1979

01.Exu; 2.Oxossi; 3.Yansan; 4.xangô; 5.Alujá pra Xangô; 6.Oxum; 7.Obaluaê; 8.Tempo; 9.Caboclo; 10. Isaura (samba de Caboclo);

Alabês: Darcy/Carlinhos: atabaques; Kacilê: agogô;

Côro: Djanira/Sheila/Silvinha/Kacilê

Vocais: Lázaro Ourualê, sob batuta de Candeia (é, aquele mesmo!)

A migração religiosa inciada na segunda metade do século retrasado acompanhando a migração dos trabalhadores baianos para a região do Rio de Janeiro pode ser dividida em duas fases de maior intensidade: a primeira, canalizada principalmente para as áreas mais pobres do centro da cidade e outra canalizada para a Baixada, na medida em que essa área periférica - municípios de Caxias, Nilópolis, São João do Meriti e Nova Iguaçu - integram-se à cidade para formar o Grande Rio. As afinidades sócio-culturais dos dois centros urbanos - núcleos originais de concentração negra - e o elo religioso já estabelecido antes, principalmente através das já famosas Tias do Samba, presentes também na formação da música urbana carioca, justificam a nova corrente migratória religiosa e o menor preço dos terrenos a sua fixação na Baixada, num movimento que teria Joãozinho da Gomea como pioneiro em Caxias. Em seu rastro viriam pais e mães-de-santo já renomados na Bahia, como Ciriaco do Tumbajunçara, Otávio da Ilha Amarela, Mãe Idalice, Zezé (estes citados por Edson Carneiro em seu Candomblés da Bahia), Miguel Arcanjo (Miguel Grosso), Senhorazinha, Ebami Davina, Antonio Fumutim do Bogum, João Lessengue do Bate Folha, Rufino do Beiru e muitos e muitos outros, perpetuados em milhares de filhos e filhas de santo descendentes das nações Ketu, Gege, Ijexá, Congo, Nago Vodum e Muxicongo. Este disco é fruto do desejo e da direção de Candeia - o grande sambista - que fez de tudo para que o pai Orualê gravasse os cânticos aqui registrados. O disco é cheio de altos e baixos. O ponto alto é o Alujá tocado com as mãos na faixa 5 (Pai Lázaro é um dos melhores exemplos do sincretismo que culminaria na síntese Umbandista, pois mesclava nações distintas como Angola e Ijexá); um ponto baixo é a inserção de um violão perdido no meio da última faixa "Isaura", na tentativa de simular uma viola, como nos cultos de encantados. A coisa não dá muito certo e logo o tocador pára. Mas o disco é muito bom, uma raridade e uma jóia rara na música da Banda de todos os tempos...

Para ouvir a faixa 3, Yansan, clique abaixo:

A Brasileiríssima Cacilda de Assis - Jorge Ogan - 1978

Canta, canta, Ogan - Orquestra e Coral Setista "Girando na Umbanda" - A Brasileiríssima Cacilda de Assis interpretada por Jorge Ogan - LP - Íris - 1978

1.É o Pino da Hora Grande; 2.Assim não dá; 3.A deusa da beleza; 4.Cabocla Jurema; 5.O Manto de Iemanjá; 6.Oiê Caninana; 7.A Deusa do mar; 8.Xangô deus do trovão; 9.Louvação a Nanã Buruquê; 10.Inhaçã; 11.Papai Ogum; 12.Eu criei cobra;

Cacilda de Assis foi uma das mais famosas mães de santo do Rio de Janeiro, com a incrível presença mediúnica do Exu sr. 7 da Lira, que executou alguns feitos realmente espetaculares quando de sua manifestação em meio ao povo e até mesmo em alguns programas populares da época. Este disco contém algumas composições de louvação criadas pela própria mãe Cacilda. Cercada de vários músicos (segundo dizem, o próprio 7 da lira teria sido músico em outras vidas), como de praxe não creditados no disco, a chamada "Orquestra e Coral Setista realiza um trabalho muito bom nas doze faixas do disco que são creditadas como "oferendas" às entidades. Jorge Ogan canta bem e tudo é bem ao estilo carioca, com os pontos se aproximando bastante da estrutura de sambas e marchas. Um disco histórico, juntamente com os outros da própria Cacilda, perfazem uma mostra do que se tinha como fé nas Umbandas cariocas dos anos 60/70.

Para ouvir a faixa 11, "Papai Ogum", clique abaixo:

Imbarabô - Prov. 2003

Imbarabô - Jorge da Fé em Deus - CD - Independente - Prov. 2003

01 - Cânticos Abertura do Tambor - Exú e Ogun; 02 - Cânticos Para Oxalá-Lissá; 03 - Cânticos Para Xangô; 04 - Cânticos Para Badé; 05 - Cânticos Para Toy Averequete; 06 - Cânticos Para Nanã-Vó Missã0; 7 - Cânticos Para Yemonjá-Agbê; 08 - Cânticos Para Oxum; 09 - Cânticos Para Yèwá; 10 - Cânticos Para Navê Zuarina; 11 - Cânticos Para Oyá-Iansan; 12 - Cânticos Para Todos Orixás; 13 - Cânticos Para os Voduns Jejes; 14 - Cânticos Para Toy Zezinho D'Maramadã; 15 - Cânticos Para Oxumarê-Dan; 16 - Cânticos Para Obaluaiyé-Xapanã-Akossi; 17 - Cânticos Para Fechamento do Tambor de Mina - Exu e Lebara;

Uma das vertentes dos cultos brasileiros no Maranhão é o Tambor-de-Mina. Mina identifica diversas etnias de escravos que foram trazidos para o Brasil, embarcados no Porto de São Jorge del Mina, na Costa da África, sendo representado principalmente pela Casa das Minas e pela Casa de Nagô. Na primeira foi implantado o culto aos Voduns e suas famílias. Na Casa de Nagô além dos Voduns são cultuados os Orixás Nagôs, e os Encantados, Nobres, Fidalgos e Caboclos. Destas duas casas surgiu a tradição do Tambor de Mina, onde são usados os tambores conhecidos com Abatás, acompanhados pelos Gãs de ferro e os Agüés (Xequerês). O rito é uma seqüência de cânticos e danças que são dedicados às entidades espirituais homenageadas em cada festa e em cada casa. Descrevem apenas quatro ritmos que são identificados como Dobrado, Corrido, Dobrado Cadenciado e Repinicado. Este disco é uma coletânea do Tambor de Mina do Maranhão, cantado em Nagô-Tapá, Agrono e Jêje-Fon pelo Babalorixá Voduno Jorge Itaci de Oliveira, grande guardião das tradições maranhenses. O título Imbarabô refere-se ao cântico inicial, pedindo ao Orixá Exu que abra os caminhos para as outras divindades. Um disco muito bom, feito com dedicação e esmero. Os músicos são excelentes e Pai Jorge Itaci canta muito bem, chegando a emocionar. Um resgate importantíssimo e exemplo do que o Brasil tem a mostrar de melhor em termos de religiosidade. Infelizmente o disco não traz a data da gravação nem o nome dos músicos...

Para ouvir a faixa 12, "Cânticos para todos os Orixás", clique abaixo:

El Resplandor de Exu - Prov. anos 80

Alagbé Martin de Xangô - El Resplandor de Exu - CD - Independente

Disco 1: 1.Exu 7 Encruzilhadas - Lua cheia ilumino; 2.Exu Eleua - Batalhador do cruzeiro; 3.Exu Eleua - Guerreiro Eleua; 4.Exu Tiriri - Ele é Exu Tiriri Lana; 5.Exu Tiriri - Esse home; 6.Exu Tranca Ruas - Meu nome és Tranca Ruas; 7.Exu Tranca Ruas - Pedido a Seu Tranca Ruas; 8.Exu Tranca Ruas - Sera Macumba Macumba; 9.Pomba Gira - Pedido a Pomba Gira; 10.Pomba Gira 7 Saias - Sua saia tem misterio; 11.Pomba Gira Rosa Vermelha - Rosa de amor & Rosa Vermelha;

Disco 2: 1.Exu 7 Catatumbas - A gente fala; 2.Exu Caverinha - Mozo bonito; 3.Exu Cigano - Salve Povo Cigano; 4.Exu João Caveira - E poerê, ê poerá, olha o mosca; 5.Exu Marê - Navegando, vem navengando & Você que sabe quem sou; 6.Exu Morcego - Um cabo pra Morcego; 7.Exu Omulu - Alumbrando da Cruz; 8.Pomba Gira Cigana - Mistério da Noite; 9.Pomba Gira Maria Padilha das Almas - E Ilumina; 10.Povo Cigano - Magia Cigana;

A Umbanda possui uma grande penetração na Argentina através de templos umbandistas pioneiros. Assim como se deu com algumas raízes da umbanda paulista e mesmo carioca, que se desenvolveram vi terreiros de Angola, Kêto e Nagô, o Batuque do Rio Grande do Sul influenciou muito o modo de se cantar e tocar nos templos da fronteira e assim, a Banda vai se estabelecendo através de rituais próprios e muito particulares por aquelas plagas. Recebemos este disco de um grande irmão nosso, gaúcho, o Paulo Melão, que por vezes "invade" a Província Cisplatina prá nos trazer alguma supresa. E talvez pelo próprio temperamento de nossos "hermanos", eles se afinizam muito com ritos de Kimbanda, daí a importância desse disco. O disco pode estranhar pelo sotaque do Alabê Martin, mas é bem gravado e é uma amostra fidedigna de como se toca e se canta na Argentina, num portunhol esquelético. Claro que muitos pontos são "importados" do Brasil e aos poucos se adaptam à ritualística local. E assim como aconteceu por aqui com as encantarias do nordeste, onde há a presença de violeiros nos ritos, há nos terreiros Argentinos a figura dos tocadores de violão, principalmente em ritos de ciganos.

Para ouvir a faixa 2 do disco 1, "Exu Eleuá - Batalhador do Cruzeiro", clique abaixo:

Jongo da Serrinha - 2002

Jongo da Serrinha - 2002 - CD/Livro - Independente

01. Bendito / Pisei na Pedra / Boi Preto / Eu Chorei0; 02. Vapor da Paraíba; 03. Guiomar; 04. Caxambu de Sá Maria; 05. Ai Morena / 13 de Maio; 06. Finca Tenda (Seu Vito) / É de Lorena / Jongueiro Bom; 07. Caxinguelê; 08. Coitado do Zé Maria; 09. Eu num é Doutô / Desaforo / Carnero tá na Serra; 10. Mamãe Foi Pro Jongo / Papai Subiu o Morro de São José / Maria Sunga a Saia / Eu Tenho Pena; 11. Saracura; 12. Bana Cum Lenço / Vou Caminhar / Bênção de Deus;

A associação Grupo Cultural Jongo da Serrinha (GCJS) foi criada em 2000 com o objetivo de dar continuidade aos trabalhos de preservação do patrimônio histórico do jongo e assistência social desenvolvidos há mais de 40 anos por Vovó Maria Joana Rezadeira e Mestre Darcy do Jongo.

Com sete anos de existência, a ONG já recebeu diversos prêmios entre eles o Itaú-Unicef e a Medalha de Ordem ao Mérito Cultural do Ministério da Cultura. O GCJS tem duas missões institucionais: educar e capacitar crianças e jovens e preservar o jongo como Patrimônio Imaterial. Como estratégia, desenvolve atividades de arte-educação e memória oral diárias e cria produtos como discos, livros, filmes e espetáculos que envolvam, da criação à produção, moradores da Serrinha. A Escola de Jongo funciona em 3 espaços da comunidade: no Centro Cultural Jongo da Serrinha, na Biblioteca Comunitária Resistência Cultural da Serrinha e no Terreiro Vovó Maria Joana.

O projeto é financiado pelo Ministério da Cultura, Prefeitura do Rio e Criança Esperança e sua base pedagógica é a cultura afro e as tradições e memória da Serrinha. Este disco foi lançado em 2002, produzido independente pelo próprio Jongo da Serrinha. Contudo, a edição de 4 mil cópias está esgotada.

O jongo é uma herança cultural trazida da África pelos negros bantus, da região do Congo-Angola, para as fazendas de café do Vale do Paraíba durante o período da escravidão. Com a Abolição, muitos libertos migraram para a então capital do país, o Rio de Janeiro, formando as primeiras favelas cariocas. É uma das pontes entre a arte musical dos terreiros e as manifestações populares. Considerado como o ritmo “pai do samba”, o jongo quase foi extinto durante o século passado. O Morro da Serrinha, em Madureira, na zona norte, é uma destas favelas centenárias da cidade do Rio e o único núcleo tradicional de jongo da cidade. Contudo, em 2005, o jongo foi tombado pelo IPHAN como o primeiro Bem Imaterial do Estado do Rio e as ações positivas de divulgação do Jongo da Serrinha vêm fortalecendo esta tradição.

Para ouvir a faixa 2, "Vapor da Paraíba", clique abaixo:

Os Afro-Sambas - Baden Powell, Quarteto em Cy e Vinícius de Moraes - 1966

Os Afro-Sambas - Baden Powell, Quarteto em Cy e Vinícius de Moraes - LP- 1966 - Forma/Philips

01- Canto de Ossanha; 02- Canto de Xangô; 03- Bocoché; 04- Canto de Iemanjá; 05- Tempo de amor; 06- Canto do caboclo Pedra Preta; 07- Tristeza e solidão; 08- Lamento de Exu;

Músicas e letras da autoria de Baden e Vinícius

Ficha Técnica:

Produção e direção artística: Roberto Quartin e Wadi Gebara.
Técnico de gravação: Ademar Rocha;
Contracapa: Vinicius de Moraes;
Fotos: Pedro de Moraes;
Capa: Goebel Weyne;
Arranjos e regência: Maestro Guerra Peixe;
Vocais: Vinicius de Moraes, Quarteto em Cy e Coro Misto;
Sax tenor: Pedro Luiz de Assis;
Sax barítono: Aurino Ferreira;
Flauta: Nicolino Cópia;
Violão: Baden Powell;
Contrabaixo: Jorge Marinho;
Bateria: Reisinho;
Atabaque: Alfredo Bessa;
Atabaque pequeno: Nelson Luiz;
Bongô: Alexandre Silva Martins;
Pandeiro: Gilson de Freitas;
Agogô: Mineirinho;
Afoxé: Adyr Jose Raimundo;

No início dos anos sessenta Vinicius de Moraes foi presenteado pelo baiano Carlos Coqueijo Costa com um exemplar do LP Sambas de Roda e Candomblés da Bahia, disco esse que impressionou profundamente o poeta descortinando para ele uma vertente da música popular que ele ainda não havia descoberto. Vinicius então mostra o disco a Baden Powell seu parceiro mais constante na ocasião e este também se encanta.

Em 1962 Baden visita a Bahia para apresentar um show com Silvia Teles no Country Club, familiariza-se com artistas e intelectuais baianos, demonstra seu interesse pelas tradições afro baianas e acaba sendo apresentado ao capoeirista Canjiquinha que o leva a terreiros, rodas de capoeira e o mais importante interpreta para ele os cânticos e sons do candomblé. Baden fica fascinado, não propriamente pelo sentido místico do que vira, mas sim pela beleza das harmonias do que ouvira.

Ao se reencontrar com Vinicius compõe o samba Berimbau e resolvem iniciar uma série de canções sobre a cultura afro brasileira. Nessa época Baden Powell estava estudando canto gregoriano com o maestro Moacyr Santos e percebeu que eles tinham semelhança com os cânticos afros que havia ouvido na Bahia e inspirando-se nessas duas influencias resolve então compor uma série de temas mesclando-os com a batida do samba (que na verdade é um ritmo oriundo dos terreiros) surgindo assim uma nova modalidade musical, os afro sambas no dizer de Vinicius de Moraes e que seria uma característica inconfundível na obra musical de Baden.

Passados os momentos de estudo e assimilação da temática os dois parceiros estavam prontos para iniciar a realização das canções e assim surge “Canto de Ossanha”, “Canto de Xangô”, “Bocoché”, “Canto de Iemanjá”, “Tempo de amor”, “Canto do caboclo Pedra Preta”, “Tristeza e solidão” e “Lamento de Exu”. Findo o trabalho partiram então para a gravação das músicas num LP intitulado de Os Afros Sambas, produzido por Roberto Quartin dono da etiqueta Forma e com arranjos de Guerra Peixe.

Gravado nos dias 3, 4, 5 e 6 de janeiro de 1966, o disco conta com a participação do Quarteto em Cy e com um coro misto formado por amadores ligados por amizade aos autores, aliás como bem definiu Vinicius, um “coro da amizade” pois a intenção apesar dos arranjos elaborados, era dar um tratamento simples, despojado e espontâneo a gravação. Nesse coro estão presentes Eliana Sabino, filha do escritor Fernando Sabino, Bety Faria, iniciando sua carreira artística no teatro e na dança, Tereza Drumond, namorada de Baden, Nelita, então esposa de Vinicius, Dr. César Augusto Parga Proença, psiquiatra e o medico Otto Gonçalves Filho.

Baden sempre reclamou da qualidade de gravação deste disco. Guerra Peixe rebatia, dizendo que queria recriar a atmosfera de "terreiro", com a qualidade sonora um tanto quanto precária. Aparentemente, nos parece que não foi possível realizar a captação de um modo mais limpo devido ao grande número de instrumentos de percussão... Baden estava certo: as vozes se embolam e não dá prá entender muito bem o que Vinicius canta em algumas faixas... sorte que as músicas são excelentes, verdadeiros diamantes da MPB: eternos e indestrutíveis!

Apesar de já estar definitivamente inserido como um dos mais importantes discos da música popular brasileira, o comentário de Vinicius de Moraes na contra capa do LP é mais elucidativo do que qualquer outra observação que se queira dar ao trabalho: “Essas antenas que Baden tem ligadas para a Bahia e, em última instância para a África, permitiram-lhe realizar um novo sincretismo: carioquizar dentro do espírito do samba moderno, o candomblé afro brasileiro dando-lhe ao mesmo tempo uma dimensão mais universal (...) nunca os temas negros de candomblé tinham sido tratados com tanta beleza, profundidade e riqueza rítmica (...) é esta sem dúvida a nova música brasileira e a última resposta que da o Brasil, esmagadora à mediocridade musical em que se atola o mundo. E não digo na vaidade de ser letrista dos mesmos; digo-o em consideração a sua extraordinária qualidade artística, à misteriosa trama que os envolve: um tal encantamento em alguns que não há como sucumbir à sua sedução, partir em direção ao seu patético apelo”.

Palavras proféticas as do poeta, pois, parece-nos cada vez mais distante e difícil produzir-se obras tão magníficas em função da “mediocridade musical em que se atola o mundo”.

Para ouvir a faixa 6, "Canto do Caboclo Pedra Preta, clique abaixo:

Amor e música

Precisar o que se recebe e o que se doa durante um rito através da música de terreiro é extremamente difícil. Em jogo estão as possibilidades de quem se emociona, de quem se entrega pela devoção e pela curiosidade e ainda, todos os questionamentos acerca da vida, da morte e do sobrenatural... Há um verdadeiro ato coletivo de amor num ritual, onde os envolvidos são assistentes e médiuns, sacerdotes e leigos, encarnados e desencarnados... E este é o motivo central da existência da música nos ritos: é o que faz as pessoas se aproximarem e nessa conexão sem parâmetros em nenhuma outra religião surgem os mistérios da conexão com o mundo antigo.

Sem amor este mundo é vazio e quase sem propósito, assemelhando-se a uma sepultura. Somos movidos pelo amor e pelas questões oriundas de sua órbita e mesmo desde o início de nossas vidas, nossas relações giram em torno do amor dos pais e de como obter amor das outras pessoas. Na fase da pós-adolescência quando do surgimento da maturidade sexual o amor é o principal canal rumo à compreensão do mundo, pois os sonhos acordados, e a mágica complexidade das conquistas preenchem a vida. Mais tarde vem o amor aos frutos de nossas relações, ao cônjuge ou amante, aos filhos e netos.

E quase não se pensa sobre isso, mas o ser humano não sabe o que fazer do seu tempo se lhe roubam a capacidade de amar. Não há gratificação que a riqueza, a comida ou mesmo a saúde possam trazer se nelas não existir a experiência profunda do amor em todos os seus sentidos e amplitude. Enfim, nada custa fazer um balanço do quanto a sua vida está neste instante embebida em amores para saber o quão parecido ou distinto é seu mundo de um sepulcro.

Comparativamente tanto a música quanto o amor se encontram paradoxalmente, na periferia de seus próprios limites, pois tanto em um caso como no outro qualquer segurança só é possível no risco. Pois tanto a música quanto o amor não são experiências que se fortalecem no controle, mas sempre na liberdade.

Caso contrário começa-se a se preocupar mais com o que se vai receber do que com aquilo que se vai oferecer. Tal é o equilíbrio da ritualística musical: duas pessoas só se amam quando ambas querem se doar, o que permite a ambas receber. Músico e ouvinte estabelecem sempre a relação de quem quer ouvir e de quem quer ser ouvido, num pacto não verbal de querer sentir o coração bater num mesmo sentimento e nisso, o tambor e canção organizam a coletividade terreiro no sentido pleno da celebração ritualística - um só caminho comum para todos, em comum acordo: o despertar para o espiritual. E apesar de muitos hoje quererem “elitizar” a espiritualidade, entendendo a Umbanda como um caminho para os mais abastados, muitos dos filhos de Orixá permanecem pobres, pois sua presunção de riqueza é tão somente a caridade aos que têm fome de luz espiritual nas agruras da matéria... Pois a Umbanda nasceu entre os humildes, entre os que encontraram a glória no desprezo e a justificação do trabalho na calúnia que é movida contra eles... Assim, o que o espírito é no corpo, os filhos de orixá são no mundo: sementes distribuídas no físico para o renascer de uma celeste ascendência na música, na dança e no amor entre pai e filho, homem e mulher, Orixás e humanidade.

Sacerdote Obashanan

Ayom Records - Ayom Lonan - O Caminho dos Tambores

É com satisfação e alegria que estamos inagurando o nosso sêlo, AYOM RECORDS.

A Ayom Records será especializada em música de raiz, objetivando a pesquisa de campo o respeito incondicional às artes sob todas as suas formas.

Nosso primeiro título é AYOM LONAN, o Caminho dos Tambores.

Já há alguns anos que são inúmeros os pedidos ao mestre Obashanan para que gravasse os toques sagrados de terreiro. Assim, pela primeira vez, ele traz ao público da música sacra-brasileira os 22 ritmos sagrados utilizados por dentro dos rituais dos templos do Brasil. De forma didática, cada um dos toques é esclarecido no encarte e este é o primeiro de uma série de discos que apresentará os ritmos sagrados de todas as regiões do país.

Ritmos apresentados:

1.Foribalé;
2.Igbim;
3.Barravento;
4.Runtó;
5.Kakaká-Umbó;
6.Toruá;
7.Congo de Ouro;
8.Avamunha/Arrebate;
9.Sató;
10.Alujá;
11.Oguelê;
12.Batá;
13.Opanijé;
14.Cabula;
15.Adarrum;
16.Ilú ou Daró;
17.Adabi;
18.Tonibobé;
19.Ijexá;
20.Bravum;
21.Aguerê;
22.Korin Ewê;
23.Faixa Bônus - Chamada do Ayom - O toque do amanhecer.

Em breve, novos lançamentos.

Pedidos: ayom77@gmail.com

KANGOMA NA ROLLING STONE!!!

O grupo Kangoma - ligado à Faculdade de Teologia Umbandista - está na edição de setembro da Rolling Stone, a maior revista pop do mundo!!! Nosso último disco, "Boa Tarde Povo" foi ouvido pelo lendário crítico Alex Antunes e ganhou três estrelas na cotação (o máximo é 4 estrelas!!).

Abaixo, a transcrição da crítica:

"Boa Tarde, Povo

CPC

Terreiro elétrico

Há décadas que a chamada world music, fora do Brasil, dá margem a pesquisas de músicas étnica com apelo e acabamento pop. Aqui, parece que ainda há uma barreira entre o "purismo" e o "comercialismo" - ou parecia, porque o Kangoma ignora solenemente esses falsos limites. A pesquisa de repertório é séria (as faixas têm suas origens esmiuçadas no encarte), as vozes femininas afinadas ea percussão desempenham com fervoro ritual. Mas a presença de eventuais baixo elétrico, bateria e até guitarra metaleira em músicas como a faixa-título (onde se explora a proximidade entre o ritmo nordestino baianal e o funk americano) e "O Marco Marciano" (Lenine) dá um toque bastante saboroso e informal.

Alex Antunes"

No mais, agradecemos aos editores da Rolling Stone, ao crítico Alex Antunes e ao repórter André Maleronka por mais esta conquista. Muito obrigado!!

A Música do Santo só aqui!!

Clique nos players abaixo para ouvir o melhor da música de terreiros em todos os tempos:

Programa 2

Pajé Maurílio em seu Catimbó, com suas filhas de santo, ouve a Rádio Makumba!

Programa 1
Mãe Asclépia de Oxum escuta o som da Banda na Rádio Ayom, a Rádio Macumba!!

Dudu de Ogum – 1985

Dudu de Ogum – LP - Fermata – 1985

1.Seu Zé Pelintra; 2.seu Mata Virgem; 3.Iemanjá; 4.Vai Aruanda; Cosme e Damião; 6.Inha sam; 7.Xangô; 8.Guerreiro Beira Mar; 9.Caboclo Roda Mundo; 10.Oxalá; 11.Simiromba; 12.Príncipe Gerson;

Produção de Osias Macedo; Arranjos: Mirandinha; Baixo: Dárcio; Bateria:Mirandinha; Cavaco e Violão 7 Cordas: Edmilson; Guitarra base e solo: Mirandinha; Ritmo: Fredy e Mauro; Coro: Márcia, Marion e Vilma.

Dudu de Ogum, com seu timbre vocal muito semelhante ao de Fagner segura bem esse disco, com um grupo de amigos que são muito bons no instrumental. Embora se aproprie de alguns pontos tradicionais de raiz (algo que mitos outros artistas fizeram antes dele) o disco não é ruim, apesar de um pouco desequilibrado em alguns momentos no que tange à mixagem e masterização. Não há informação alguma no disco sobre a origem de Dudu, mas podemos supor que ele seja ligado às encantarias do Nordeste, pelo teor do imaginário dos pontos, onde cita-se Bartira, Zé Pilintra, Príncipe Gerson e outros encantados muito cultuados na região de Maranhão e Pernambuco.

Para ouvir a faixa 2, "seu mata Virgem", clique abaixo:

Louvação aos Orixás – 1976

Louvação aos Orixás – José Ribeiro – LP – RCA – 1976

1.Exuria exu; 2.Paóo para um Djagun; 3.Oxossi é caçador; 4.Atotô Meu Pai; 5.Sarava o Povo africano; 6.Okolofé Mamãe Oxum; 7.eparrei minha mãe Iansã; 08.Louvação a Xangô; 09.Rainha do Mar; 10.Saluba Nana; 11.epe epe babá; 12.Zambe Maleme;

Pela capa já podemos antever o que há no disco. A imagem de uma galáxia nos induz a imaginar uma produção à lá Sérgio Mendes, ou bem que poderia ser um disco de Rock Progressivo, mas não, é o “Rei do Candomblé” em sua mais ousada obra: José Ribeiro realizou uma verdadeira superprodução, mas não uma superprodução qualquer, dessas que se vê hoje nos estádios, organizados pelos evangélicos. Não!! O homem fez uma obra daquelas de dar inveja aos produtores do U2.

José Ribeiro, há 30 anos humilhando muito produtor evangélico de hoje!!

Minha gente, esse disco tem orquestra completa, com cordas e metaleira, percussão de inúmeras peças que de ouvido é até difícil de se identificar, tamanho o número de instrumentos. São congas, claves, atabaques, timbales, bateria, etc. etc; São guitarras, violinos, teclados, baixo, coral dos “Ogans”, afinadíssimo (com exceção do próprio José Ribeiro que não era cantor, mas não faz feio).

A captação, a mixagem, os arranjos parecem terem sido feitos para um especial da Rede Globo, tamanha a megalomania da proposta. Um absurdo para a época e mesmo para os padrões de hoje. Com tudo isso, o disco tem a obrigação de ser bom, e é um show de ritmo!! As composições são de Alberto Paz e o auto intitulado “Rei da Umbanda” na época, Tancredo da Silva Pinto prefacia esta bela ousadia faraônica!

Para ouvir a faixa 1, "Exuriá Exu", clique abaixo:

V festival nacional de cantigas de Umbanda/Isto é que é Umbanda – 1975

Capa original

Capa na Reedição

V festival nacional de cantigas de Umbanda/Isto é que é Umbanda – LP – Itamaraty – 1977

1.Hora de Rezar; 2.Pedra Lírio de Xangô; 3.Flores de Obaluaê; 4.O mundo encantado de Janaína; 5.O canto de Tupi; 6.Irôco; 7.Ressurreição; 8.Toada de Boiadeiro; 9.Vovó Chica; 10.Festa do Caboclo Folha Verde; 11.Venham as Crianças; 12.Prece a Tupã;

Intérpretes: René Filho, Getúlio Braga, Ítalo, Rogério, Tavares, Eunice, Paulo Cunha e Francisco.

Neste LP que resume o quinto festival de Umbanda, temos muitos altos e baixos, pois é um disco feito por compositores de pontos de louvação e a maior parte das faixas são, na verdade sambas retraduzidos para a idéia umbandista, algo que se tornou um hábito dentro dos terreiros por causa dos festivais. É a inversão da realidade de que o samba saiu dos terreiros, filho da Cabula e do Congo de Ouro. Sua volta ao cenário religioso o torna um tanto quanto alienígena dentro dos rituais, mas relevemos... há, ainda, alguns Ijexás que se aproximam de sua derivação mais óbvia, o afoxé. Os corais não desafinam, mas pecam no tempo da respiração, o que denota pouco ensaio, mas não chega a comprometer. O ponto alto do disco são os alabês muito bons, embora não haja informação algume e tampouco nome de nenhum deles. O destaque é a capa politicamente incorreta, uma estética que choca alguns, mas que deve ser levada em conta entendendo-se que a Umbanda é, antes de tudo uma religião que quebra convencionalismos. A capa desagradou tanto que numa edição posterior usaram uma outra fotografia, na nossa opinião, pior que a primeira...

Para ouvir a faixa 3, "Flores de Obaluaiê", clique abaixo:

Lá na Aruanda – 1971

Lá na Aruanda – LP – Sarava/Cáritas – 1971

1.Abertura e Prece de Cáritas; 2.Andorinha voou; 3.Saudação a Maria Baiana; 4.No Amazonas; 5.Oh, Iparrê; 6.Ponto de Oxossi; 7.Relampeou; 8.Estrela Guia; 9.Ponto do Caboclo Boiadeiro; 10.Ponto de Santa Bárbara; 11.Saudação à Umbanda; 12.Sarava cacique Sete Serras; 13.Soberbia (Preto Velho);

Tenda Tomba Morro, Tenda Pai Anastácio, Tenda Cacique Sete Serras; Tenda Cacique Tupi; Tenda Nossa Senhora Aparecida;

Um disco clássico, faz parte da trilogia que se completa com Aruanda e Maior é Zamby. Até a capa é praticamente a mesma de Maior é Zamby, só que com a disposição invertida. Assim como os outros, trata-se de um disco que mostra a Umbanda de terreiros do interior de São Paulo e Minas, com gravações feitas no próprio terreiro. São cantos de Encantaria e Umbanda mística (Com cantos bem próximos do catolicismo) e traduzem uma pureza maravilhosa. Os toques são em Cabulas, Ijexás e Toruás, executados de modo simples. Com um registro de Umbandas tão puras, é de se estranhar a abertura do disco com a prece Kardecista de Cáritas. Sim, a prece é muito bonita, mas a inclusão dela nesse e em outros discos influenciou os ritos de Umbanda, fazendo com que os mesmos se aproximassem da doutrina Kardecista sem o cuidado de não perderem suas raízes. Uma questão polêmica que não cabe discutirmos aqui.

Para ouvir a faixa 12, "Sarava cacique Sete Serras", clique abaixo:

Amor de Mulher/Yorimatã – Luli e Lucina – 1982

Amor de Mulher/Yorimatã – Luli e Lucina – LP – Nosso Estúdio – 1982

1.Amor de Mulher; 2.Semente; 3.Lua da Noite; 4.Terra e Lua; 5.Primeira Estrela; 6.Sina Cigana; 7.Aloja Yin; 8.Iansã; 9.Ponto de Oxum; 10.Índia Puri; 11.Tripa de Peixe; 12.Aloja Yang;

A primeira vez que vimos Luli e Lucina, foi também a primeira vez que entendemos que alegria, vitalidade, energia e poder não estão vinculados a rótulos, mas antes à essência necessária de se entender as origens tribais de qualquer estilo: queremos dizer, por exemplo, que há características que normalmente são conscientemente ligadas ao Rock, mas que existem antes, na identidade tribal de todo povo.

Pois bem, vimos as duas se apresentarem no saudoso programa “A Fábrica do Som”, lá nos longínquos anos 80, onde, apenas com voz, palmas e um atabaque, elas conseguiram literalmente enlouquecer uma platéia de roqueiros radicais de várias tribos. Jamais esquecerei a força e a identidade do que vi: a expressão clássica da Umbanda em sua configuração mais simples se apoderando do signo modal e levando uma multidão ao encontro de uma catarse espiritual sem precedentes. Só quem viu, viveu...

Umbandistas convictas, neste disco expressam com grande clareza, no lado B, essa identidade, em composições recheadas do imaginário de terreiro, seja em sua vertente indígena, seja em sua corrente ameríndia. Apesar da qualidade da gravação não estar a altura das meninas, ainda assim é um trabalho inesquecível, justamente por ser eterno em sua simplicidade.

Para ouvir a faixa 12, "Aloja Yang", clique abaixo:

Parangolé - 1975

Parangolé –Sambas e pagodes com Zé Maria – LP –Som Livre - 1975

01.Pai Timbó; 02.Tereza; 03.Parangolé; 04.Pau de fazer Berimbau; 05.Nega Maria; 06.Pena Verde; 07.Lamento de Caboclo; 08.Matetê; 09.Visita à Bahia; 10.Estouro da Boiada; 11.Cambaleou; 12.Perdoa Amor;

Zé Maria conta com uma produção impressionante nesse disco. A Som Livre, apesar das habituais idiossincrasias sabia como produzir um trabalho com perfeição. São músicos excelentes, a mixagem e a masterização são perfeitas, bem melhores que muitas de hoje. No repertório Zé Maria conta com sambas, carimbós, sertanejos, com a temática umbandista presente na maior parte delas. Era uma época em que a Umbanda estava em voga, nas letras, nas músicas, nas atitudes...

Para ouvir a faixa 06, "Pena verde", clique abaixo:

Obaluayê – 1949

Obaluayê - Orquestra afro-brasileira – 45 RPM – Todamérica – 1949

01.Apresentação de Paulo Roberto; 2.Chegou o Rei Congo; 3.Calunga; 4.Amor de escravo; 5.Saudação ao Rei Nagô; 6.Festa de Congo; 7.Babalaô; 8.Liberdade; 9.Obaluayê;

Regência: Maestro Abigail Moura;
Solista: Yolanda Borges;
Músicas e letras: Maestro Abigail Moura;
Apresentação: Paulo Roberto;

A Orquestra Afro-Brasileira foi fundada em 10 de abril de 1942, com o propósito de estudar e divulgar a música folclórica e os costumes brasileiros, valendo-se para isso da sociologia e antropologia.

Um disco raríssimo que ganhamos há muito tempo de um amigo que se foi. Trata-se de uma obra extremamente delicada, onde o maestro Abigail Moura conduz com propriedade uma orquestra afinadíssima, quer seja na percussão, quer seja nos vocais ou na orquestra de metais. A cantora Yolanda chega a emocionar em algumas passagens, pois consegue ir do lírico – sem afetação técnica – aos vocais mais profundos da atmosfera étnica. Um registro importantíssimo, que apesar de alguns erros conceituais (o narrador Paulo Roberto, na introdução refere-se ao Rwm como o atabaque mais agudo, quando é justamente o contrário), ainda carrega consigo a chama da ancestralidade e a competência de sempre da música brasileira de raiz.

Para ouvir a faixa 7, "Babalaô" clique abaixo:

Perdão, Abaluaiê!!

O Maestro Valdemar Henrique

Semana passada minha esposa chega até mim com um pacote e diz: “O que eu faço com isto??? Achei na casa do meu pai.”

Esclarecendo: o pai dela era Júlio Lerner, um dos maiores jornalistas que o Brasil já conheceu, ou que provavelmente jamais conhecerá. Só prá ficarmos na área musical, o homem foi o principal responsável pelo ressurgimento do choro, quando este estava praticamente esquecido no Brasil, nos anos 70/80. Além delançar gente como Fagner, Ednardo, Marina e Inezita Barroso.

Bem, prá encurtar a história, abri o pacote e em minhas mãos impuras ali estava, incólume um dos maiores tesouros da música brasileira e da música umbandista: a partitura do clássico “Abaluaiê” de Waldemar Henrique. Não preciso dizer que quase caí prá trás... sentei-me no chão para apreciar de perto, como um mapa do tesouro, com todo cuidado, o esmero, a dedicação e a responsabilidade artística com que o músico escreveu as notas no papel já amarelado. A partitura deve ter sido usada no programa de Inezita – há seu nome escrito numa das folhas - e daí chegou às mãos de Júlio...

Ah, e só de troco, atrás de uma das partituras está a introdução de outro clássico da música umbandista: “Funeral de um Rei Nagô”, de Hekel Tavares!!

...e agora dividimos com vocês mais este tesouro resgatado pelo ACERVO FTU!!!


A partitura é escrita para orquestra em vários instrumentos:

Piano, Violinos, Viola, Cello, Contrabaixo, Pistões, Flauta, Saxes, Trombone e Bateria.
Por ser extensa, colocarei aqui alguns exemplos, para apreciação...

Capa da partitura

Uma das páginas da partitura para o piano

Uma das páginas da partitura do maestro, onde constam indicações para todos os instrumentos.

Waldemar Henrique da Costa Martins (Belém, 15 de Fevereiro de 1905 - Belém, 29 de março de 1995), foi pianista, escritor e compositor paraense.

Waldemar Henrique, filho de um descendente de portugueses e de uma índia. Depois de perder a mãe muito cedo, foi com o pai para Portugal, retornando ao Brasil em 1918. A partir de então viajou pelo interior da Amazônia, época em que travou contato com os elementos da cultura e do folclore amozônicos que seriam mais tarde característicos de sua obra musical. A primeira música de susseso de Waldemar Henrique foi "Minha Terra", composta em 1923. Em 1929 estudou no conservatório Carlos Gomes, pelo fato de sua família ser contra, seu pai insistiu para que ele se desviasse de sua vocação empregando-o num banco. Mudou-se para o Rio de Janeiro em 1933, onde estudou piano, composição, orquestração e regência. Suas obras têm principalmente como tema o folclore amazônico, indígena, nordestino e afro-brasileiro.

Para ouvir "Perdão Abaluaê", com Jorge Fernandes (1949), cliquq abaixo:

Osny Silva – Ogum Beira Mar – 1983

Osny Silva – Ogum Beira Mar – LP - Copacabana – 1983

01.Cabocla Jurema; 02.Eu vi Oxum na Beira do Mar; 03.Ogum Beira Mar; 04.Obrigado, Preta Velha; 05.Oxalá, venha me ajudar; 06.Salve Boaideiro; 07.São Jorge Guerreiro; 08.Com fé em Iansã; 09.Yemanjá, rainha do mar; 10.Justiça de Xangô; 11.Festa da Conceição; 12.Saudação a Mãe Menininha;

Neste trabalho estão registrados forrós, bregas e outros ritmos de conexão nordestina. Foi lançado numa época em que os músicos de estúdio ainda eram “vivos”, ou seja, antes da invasão da tecladeira no estilo, que tirou o emprego de muita gente e por isso mesmo - graças aos músicos - o disco ainda mantém a qualidade. Osny era ligado ao Pai Edu do Recife e percebe-se que tinha muita fé no que fazia, segundo o que canta nas letras, a maior parte de sua autoria.

Para ouvir a faixa 4, "Obrigado. Preta Velha", clique abaixo:

Edi Brandão Canta para os Orixás/Umbanda Branca – 1977

Edi Brandão Canta para os Orixás/Umbanda Branca – LP – Vibrações – 1977

01.Boiadeiro tem mironga; 02.Cacique da Mata Virgem; 03.Giramundo; 04.A deusa dos orixás; 05.Mensagem da Sereia; 06.Filho de Xangô; 07.Interpretação astrológica dos negros coloniais; 08.Mamãe do Ouro; 07.Sarava Cobra coral; 09.Sarava Oxossi; 10.Moça bonita; 11.Vovó da Guiné;

Um disco muito bem gravado, executado e com composições inspiradas. Edi Brandão é correto no cantar, tranqüilo e simples, acompanhado por músicos excelentes, apenas violão, percussão e baixo. Duas das músicas foram grandes hits da Umbanda nos rádios: “A Deusa dos Orixás” de Clara Nunes e “Moça Bonita” de Ângela Maria. A faixa "Mamãe do Ouro" teve alguma projeção nas rádios, na época. Em algumas faixas pode-se escutar o vocal de Eloah, do Ibeji Miregun...

Para ouvir a faixa 01, "Boiadeiro tem mironga" clique abaixo:

Baiafro - 1978

Baiafro - Djalma Correa - LP - Phillips - 1978

1.Homenagem a um índio conhecido; 2.Samba de roda na capoeira; 3.Baiafro; 4.samba de ousadia; 05.Banjilógrafo; Suíte os quatro elementos: 06.Água/Oxum; 07.Terra/oxossi; 08.Ar/Iansã; 09.Fogo/Xangô; 10.Paino de cuia; 11.Tudo Madeira;

Djalma Correa

Djalma Correa é um destes músicos únicos que infelizmente é um tanto quanto esquecido pela nossa mídia, apesar dele ter prestado relevantes serviços à nossa arte e cultura. Um exemplo é este LP, simplesmente sensacional, seja pela proposta percussiva, elevando instrumentos normalmente conectados em sua característica função rítimica para uma ascenção à categoria de instrumentos harmônicos/melódicos, numa autêntica ousadia musical... é um disco extremamente bem trabalhado, nos timbres, nas composições, na escolha das percussões que perfazem uma verdadeira festa em todas as faixas. Destaque para os toques dos orixás na belíssima "Suíte os quatro elementos", onde Djalma se utiliza dos característicos ritmos Aguerê, Daró, Ijexá e Alujá para ilustrar os poderes das divindades. Gênio é gênio e de nosso amigo Djalma, só coisa boa vem.

Para ouvir a faixa 07, "Terra/Oxossi", clique abaixo:

Berimbau - 1980

Capoeira - LP - Chantecler - Camafeu de Oxossi - 1980

1.Baba Mixorô; 2.Moriô; 3.Ojo Matin Dolaiê; 4.Afoxé Loni; 5.Alá Filá Lá; 6.Adabaô no Mafê; 7.Ala la la é; 8.Paraná; 9.Quem quiser moça bonita/aidée; 10.Samba do Mar; 11.Adeus Corina; 12.Sou eu Maíta; 13.Vou dizê a meu sinô que a manteiga derramou;

Trabalhamos para a Chantecler nos anos 80 e lembramo-nos das discussões sobre alguns lançamentos na gravadora. Houve nessa década uma tentativa em se constituir um mercado de capoeira, na tentativa de se encontrar um nicho onde se fixar no contexto brasileiro de raiz e este disco foi largamente discutido até quase no final do ano de 1990...

Apesar da edição em 1980 e a reedição em 1989, as gravações parecem ter sido realizadas em outra época, talvez nos anos 60/70. São gravações ao vivo, talvez em local aberto. As primeiras músicas do lado A disco são ijexás, não há a presença de nenhum berimbau, ou de canções relativas à capoeira, são todos cantos de nação. A partir da canção "Paraná", no lado B, são cânticos de capoeira, a maior parte clássicos, conhecidos em qualquer roda. O disco é muito bom, com os temas típicos das composições de capoeira, falando das coisas do santo, da valentia e da força de vontade do escravo...

Solista de berimbau, cantor. Ápio Patrocínio da Conceição, andarilho do Pelourinho, foi um homem de sorte. Tanto no jogo, quanto no amor, daí o nome Camafeu. Ele nasceu no dia 04 de outubro de 1915, no bairro do Gravatá, em Salvador, e se criou no Pelourinho. Filho de Faustino José do Patrocínio e Maria Firmina da Conceição. Seu pai era mestre-pedreiro, descendente de africano. Conviveu com ele até os sete anos. Sua mãe veio de Camamu, era negociante de tabuleiro. Negociava frutas, doces, acarajé, tudo na Baixa dos Sapateiros. Sua mãe teve 16 filhos. Ele, Raimundo e João, cada um de um pai. Como ficou órfão de pai aos sete anos, seu padrasto dava mais atenção ao Raimundo. Não suportando aquilo, resolveu sair de casa. De menino de rua que passou fome e perdeu toda a família, estudou na Escola de Aprendiz de Artífice, trabalhando na fundição, vendeu cordão de sapato (cadarço) na porta do Elevador Lacerda. Dali passou para o passeio do Mercado Modelo como engraxate, além de vender os jornais de modinha nas feiras de Água de Meninos, Dois de Julho e Sete Portas. Saiu de lá para ser marítimo e foi parar na Estiva - Companhia Docas da Bahia até se tornar proprietário da famosa barraca de São Jorge, no velho Mercado Modelo, e de um restaurante de fama internacional.

A música entrou em sua vida desde garoto. Foi criado na roda de samba, tocando berimbau, ensinando aos turistas como tocar o instrumento. Era um homem de muitas palavras, casos e lendas para contar. Chegou a ser diretor das escolas de samba Só Falta Você, Deixa Pra Lá, Gato Preto, onde aproveitava para cantar seus sambas. No Mercado Modelo ele começou a cantar música de capoeira e ijexá, tocando berimbau e atraindo a clientela. A partir daí começou a fazer sucesso.

Na sua Barraca São Jorge, aberto em riso, cercado de objetos rituais de obis e orobôs, ele ensinava os mistérios da Bahia. Na década de 60, a Universidade Federal da Bahia criou o curso de língua ioruba e Camafeu foi um dos primeiros alunos. Foi convidado para ir à África, representando a Bahia no Primeiro Festival de Arte Negra do Senegal, junto com Pastinha e outras pessoas.

Lá ele cantou em iorubá para Oxum e para Oxóssi. Sobrinho de Mãe Aninha e filho-de-santo de Mãe Senhora, o obá de Xangó do terreiro Axé Opô Afonjá esbanjou alegria. Figura baiana conhecida em todo o Brasil, personagens de muitos livros de Jorge Amado (Tereza Batista, Dona Flor, Tenda dos Milagres, Tieta do Agreste, entre outros) de quem era amigo particular. Seu nome está presente em dezenas de músicas: aquela que diz “Camafeu, cadê Maria de São Pedro”, gravada por Martinho da Vila, outra gravada por Maria Alcina e também o conjunto Os Originais do Samba gravou um samba em sua homenagem.

Tocador de berimbau, batuqueiro, ex-presidente dos Filhos de Gandhi, Camafeu de Oxossi gravou dois discos, um deles Berimbau da Bahia com os cantos de capoeira mais belos, alguns velhos do tempo da escravidão ou da Guerra do Paraguai: “Volta do mundo, ê!/volta do mundo, ah!/ Eu estava lá em casa/sem pensá, sem maginá/e viero me buscá/para ajudar a vencê/a guerra do Paraguá/camarado ê/camaradinho/camarado...”.

Esses cantos estão cheios de lembranças da vida dos escravos: “No tempo em que eu tinha dinheiro, camarado ê, comia na mesa com ioiô, deitava na cama com iaiá... Depois que dinheiro acabou, mulher que chega prá lá, camarado. camaradinho ê....”. Contam da guerra, da escravidão, das lutas dos negros. Outros são improvisados no repente da brincadeira e, repetidos, permanecem e se tornam clássicos: “Bahia, minha Bahia,/Bahia do Salvador,/Quem não conhece capoeira/Não lhe pode dar valor//Todos podem aprender/General e até doutor”.

Com o tempo, a voz rouca não cantava mais, porém se emprestava a histórias e nomes com quem conviveu numa cidade que não existe mais.“No mercado, em meio a seus orixás, aos colares e às figas, queimando o incenso purificador, rindo sua gargalhada, saudando São Jorge e Oxóssi, rei de Ketu, o grande caçador. Camafeu comanda a música, o canto e a dança. Um baiano dos mais autênticos, um dos guardiães da cultura popular. Homem que possui o saber do povo, um desses que preservam o passado e constroem o futuro”, segundo Jorge Amado no livro Bahia de Todos os Santos. E diz mais: “Compositor, mestre solista de berimbau, obá de Xangô, Osi Obá Aresá, filho de Oxóssi, preferido de Senhora, amigo de Menininha e de Olga de Alaketu, o riso cortando o rosto, dono da amizade. Em sua barraca, em prosa sem compromisso, numa conversa largada como só na Bahia ainda existe, sem horário e sem obrigações temáticas, podem ser vistos o pescador, a filha-de-santo, o pintor Carybé, o passista de afoxé, o Governador do Estado, o compositor Caymmi, a turista loira e esnobe, a mulata mais sestrosa e Pierre Verger, carregado de saber e de mistério. A barraca de Camafeu é ponto de reunião, é mesa de debates, é conservatório de música. Na cidade do Salvador a cultura nasce, se forma e se afirma em bem estranhos lugares, como por exemplo, uma barraca do mercado (...) lá se vai Camafeu pelos caminhos da Bahia, invencível com seu santo guerreiro. Vir à Bahia e não ver Camafeu é perder o melhor da viagem. Ele é um obá, um chefe, um mestre”.

Um ritual religioso marcou no dia 27 de março de 1994 o sepultamento de uma das figuras mais conhecidas da Bahia: Apio Patrocínio da Silva, o Camafeu de Oxossi. O enterro foi no Cemitério da Ordem Terceira do São Francisco, e contou com a presença de vários amigos e admiradores daquele que era uma das maiores autoridades do culto afro-brasileiro na Bahia. Camafeu ficou conhecido não só como proprietário de um dos mais famosos restaurantes de comidas típicas da Bahia, localizado no Mercado Modelo, como também pelo posto Obá de Xangô, que ocupava no Terreiro Ilê Axe Opô Afonjá. Era querido pelas principais mães-de-santo da Bahia e amigo de Dorival Caymmi, Jorge Amado e Gilberto Gil. Doente há muito tempo, Camafeu foi vencido por um câncer na garganta e faleceu no Hospital Aristides Maltez, aos 78 anos.

Para ouvir a faixa 11, "Adeus Corina", clique abaixo: